OTRO DISCO IMPRESCINDIBLE DEL CUARTETO QUIROGA Y JAVIER PERIANES

La producción de música de cámara española no es muy abundante. Por eso cuando aparece una grabación con obras de compositores de la talla de Granados y Turina enseguida llama nuestra atención. Si además la interpretación es a cargo de estos magníficos músicos españoles aumenta aún más el interés por ella.
Las obras corresponden a periodos de juventud de ambos autores y si es verdad que no son muy frecuentadas en los programas de concierto merece su recuperación. Su calidad no es parangonable a las grandes obras de cuarteto con piano de compositores centroeuropeos que a todos nos vienen a la cabeza, pero poseen un aliento lírico, un vuelo melancólico, una concepción danzable y un idioma tan próximos, que nos deleita su escucha. Y todo ello, claro, gracias a la magnífica interpretación del tándem Javier Perianes y el Cuarteto Quiroga. Sencillamente creo que no se pueden tocar mejor estas obras, pues es tal el compromiso con este tipo de música que hasta aumenta su calidad intrínseca. Los compositores, de vivir, estarían muy orgullosos que su música estuviera servida por estos músicos.

SOL DE MI FORTUNA O EL DESCUBRIMIENTO DE UN EXCELENTE MÚSICO ESPAÑOL: DIEGO ARES

No conocía la existencia de este músico que ya ha grabado anteriormente otros tres discos -un despiste lo tiene cualquiera-, pero no cabe duda que en el futuro no se me pasará más, pues el disco que no dejo de escuchar desde que lo tengo está soberbiamente interpretado, además de estar dedicado a uno de nuestros mejores músicos del barroco, el padre Soler y a una selección de sus piezas para clave. Y qué belleza la de esta música en manos de Diego Ares, donde a lo trepidante le sigue lo calmado con una suerte de recursos técnicos y expresivos soberbiamente manejados.
A la gran calidad interpretativa coadyuva una magnífica grabación de estudio que se entrega además con una clave para descargar los archivos de alta resolución con casi 1.2 GB de información, lo que me parece un modelo a seguir por las demás discográficas. Para mí es mi disco del mes.

POSIBLEMENTE EL MEJOR DON GIOVANNI EN IMÁGENES

Parece mentira que no existiera todavía una buena interpretación reciente en imágenes de Don Giovanni, una de las cuatro o cinco mejores óperas de todos los tiempos. En ésta que acabo de disfrutar, procedente de una representación de la Scala de Milán de diciembre de 2011. Se aúnan como pocas veces una excelente interpretación musical y escénica. Y es que nunca dos grandes maestros, como Barenboim, en la dirección musical, y Robert Carsen, en la escénica, habían acertado tan plenamente en sus propósitos, sacando del reparto lo mejor de sus competentes voces, salvo alguna laguna (el Don Ottavio de Giuseppe Filianoti). Lo cierto es que Carsen logra una de sus mejores propuestas escénicas que le he podido ver en directo o en imágenes. Traslada la acción dramática a la época actual —es una de las historias más intemporales de la cultura— y tanto el vestuario, la iluminación, los decorados y la dirección de actores son de una creatividad fascinante. Es verdad que Mattei, Terfel, Netrebko, Fritolli y Prohaska además de buenos cantantes son unos actores consumados. Añade más valor a esta producción su realización videográfica, de una calidad inusitada, ayudada por el soporte en alta definición.

ALISA WEILERSTEIN, QUIZÁ LA MEJOR INTÉRPRETE DE CELLO DEL MOMENTO.

He escuchado todos los buenísimos discos que se han editado anteriormente con Alisa como protagonista. Desde el primero dedicado a los concierto de Elgar y Carter (2013), los dedicados a obras de Dvorak, con su celebérrimo concierto, y un disco para cello solo (2014), hasta el último editado el pasado mes con las sonatas de cello de Rachmaninov y Chopin, que motiva estas notas. En este lo acompaña el desconocido pianista Inon Barnata que, aunque no está a la altura de ella, la acompaña notablemente.
Hacía mucho tiempo que no disfrutaba tanto escuchando a una chelista como con Alisa Weilerstein. En ambas sonatas —de las mejores escritas para cello y piano— está impresionante por su sonido hermoso y temperamental, soñador y enormemente apasionado.
La toma de sonido es de los ingenireros del estudio Teldex de Berlin y por tanto soberbia, lo que permite disfrutar aun más.

UN REGALO PARA LOS OÍDOS: UN NUEVO DISCO DEL SELLO VANITAS

 
Creo que nuestra historia cultural local nunca había vivido una etapa de tanta agitación en cuanto a sus creadores y artistas. También en el terreno de la programación y en la variedad de espacios dedicados a la cultura que ha crecido en número. Por contra han desaparecido eventos de interés que la crisis se ha llevado por delante, produciéndose un retroceso en cuanto a programación de una importancia lamentable. Hace años que no se oye a una orquesta sinfónica, un buen conjunto de cámara o una ópera de calidad —en su conjunto— en nuestra ciudad.

Sin embargo una de las noticias más gozosas de nuestra vida cultural actual es la existencia de un sello discográfico creado en Albacete, por un albacetense (Andrés Alberto Gómez) y cuyo técnico de sonido también es vecino de ésta (Pascual Lorenzo): Vanitas (www.vanitasmusica.com). Ha editado ya más de diez discos y un video, de alguno de ellos ha dado cuenta este diario, y su calidad media es muy importante, tanto que, por desgracia, suelen ser más valorados fuera de nuestra fronteras por la critica especializada pasando casi olvidados en nuestra ciudad. En el caso que nos ocupa, dada su importancia musical debería encontrar encaje en la programación musical de la ciudad en forma de concierto.

Andrés Alberto siempre se rodea de muy buenos músicos con los que da conciertos en toda Europa, siempre dentro de su especialidad: la música antigua y barroca. Un ejemplo de ello es la intérprete a la que acompaña en este disco: Muriel Rochat Rienth, que se formó en la Schola Cantorum Basiliensis (ha sido alumna de uno de los pioneros del historicismo musical, el oboísta Michel Piguet).

Las sonatas para recorder (flauta de pico) de Händel son de una belleza ejemplar, y se encuentran de entre las mejores obras de cámara del barroco y su compositor es una de las cumbres de este periodo y uno de los más influyentes compositores de la música occidental y universal. Por tanto pueden imaginarse que la elección de este repertorio para llevarlo de nuevo al disco es de nuevo una diana del sello que dirige con tanto acierto el mismo Andrés Alberto Gómez. También igualmente dichosa la elección de Muriel Rochat, una magnífica intérprete que hipnotiza con una emisión limpia y fresca, redonda, brillante, muy expresiva, una pura delicia y de una perfección técnica asombrosa. El continuista —al clave— Andrés Alberto Gómez, no sólo construye el escenario sonoro en el que Muriel se desenvuelve. Tiende —como él mismo expresa— hacia lo diáfano o hacia la densidad, a interactuar más o menos con la protagonista e incluso toma protagonismo. Es un compañero ideal.
He repasado algunas grabaciones en streaming desde la web (spotify y apple music) y puedo decir que si me tuviera que quedar con una para llevarmela a la tópica isla desierta, me llevaría ésta sin duda.

Afortunadamente se anuncia para el futuro próximo una nueva grabación de esta misma intérprete con obras para flauta sola de Telemann.

Lo que ganaría esta cuidad si se dejara aconsejar por este gran intérprete de música barroca, líder de La Reverencia, productor discográfico y gran músico que es Andrés Alberto Gómez para que pudiéramos disfrutar de esta música en forma de ciclo de conciertos, me consta que está dispuesto a ello.

Ya la estoy esperando, mientras llega disfrutaremos de esta maravillosa música, servida con tanta calidad como la de estos dos excelentes intérpretes.

OTRA DIANA MUSICAL

Deben ser ya siete u ocho las veces que el pianista y director de orquesta, argentino nacionalizado español, israelí y palestino, Daneil Baremboim ha grabado los conciertos para piano de Johannes Brahms; y no es extraño pues son absolutamente esenciales. Pudiera ser que el segundo de Brahms, interpretado aquí bajo la dirección del venezolano Dudamel y la Statkapelle de Berlin. pueda ser una de las cimas en la interpretación de esta obra.
Impresiona que el pianista, con setenta años, mantega tan buena forma su técnica; su sabiduría interpretativa incluso la acrecienta cada vez.
Este disco, un doble CD —aunque yo lo he escuhado en streaming, gracias a apple music—, está grabado de un concerto público —otra de mis debilidades– y tiene un toque introvertido, poético y melancólico. Gustavo Dudamel acompaña sensiblemente, realzando las armonías brahmsianas de forma transparente y dinámica. Pianista y director se influyen mutuamente y esa colaboración es un ejemplo satisfactorio de calidez que derrocha humanidad. La orquesta —Statkapelle de Berlín, suena estupendamente y algunos de los fragmentos solistas absolutamente extraordinarios.
De imprescindible escucha.

ADIÓS INMENSO VICKERS

El canadiense Jon Vickers, falleció el pasado 10 de julio a los 88 años, después de una prolongada lucha contra la enfermedad de Alzheimer. Con este motivo y aprovechando mi convalencia por una lesión en la rodilla y la época estival, estoy dedicado a recordarle escuchando gran parte de su discografía.
De la ecléctica galería de personajes en la carrera de Jon Vickers, probablemente sea Peter Grimes de Benjamin Britten en donde el tenor dejó su huella indeleble. Un rol que el compositor escribió pensando en una tipología vocal totalmente diferente a la de Vickers —de hecho Britten detestaba la interpretación de Vickers—. Sea como sea, lo cierto es que el personaje acompañó a Vickers casi hasta el final de su carrera, su identificación y la profundidad expresiva alcanzada lo convierten en su máximo exponente, a pesar de Britten.
“Al fin un tenor que actúa” exclamó Maria Callas mientras corría a abrazarlo. Tenía razón, había encontrado en Vickers su contraparte masculina. Otro artista irrepetible, poseedor de un histrionismo particularísimo y de una voz inmensa, técnicamente “fea”; como Rysanek —o la misma Maria Callas.
Esta grabación se realizó en Abril de 1978 en Londres, reúne un elenco de lo mejor de la escena inglesa de ese momento, tanto veteranos como artistas jóvenes. Se la puede considerar un clásico de la discografía y ofrece una visión diametralmente opuesta pero absolutamente complementaria a la interpretación del propio Britten grabada en Decca en 1959. De entre todos ellos el más destacado intérprete es Vickers que interpreta la obra con gran intensidad, donde el desenlace sigue conmoviendo a pesar del paso de los años.
Peter Grimmes es una pieza maestra de la ópera del siglo XX por su magnífico libreto y por la igualmente excelente caracterización musical y dramática de los personajes y situó a su autor al lado de los más grandes maestros del género de este siglo: Puccini, Ruchard Strauss, Leos Janacek y Akban Berg.
Toda una alegría poder volver a escuchar esta ópera en esta interpretación. De las mejores escuchas que he disfrutado últimamente.

BAJO A SOMBRA DE STALIN. NELSONS Y SHOSTAKOVICH

Hoy 31 de julio se ha producido el lanzamiento de este disco del director letón Andrid Nelsons, al que profeso una gran admiración y le escucho todo lo que graba, y más con música de uno de mis compositores preferidos del siglo XX. Nelsons ha iniciado un proyecto que lleva por título "Shostakovich Under Stalin's Shadow" (S. bajo la sombra de Stalín), un programa de conciertos y grabaciones de las obra sinfónica compuesta por aquel, desde mediados de los años treinta (estreno de su quinta sinfonía) hasta la estreno de la décima, ésta supuestamente escrita como una respuesta a la muerte de Stalin en 1953, y que fue la primera gran obra que éste no pudo escuchar. Las grabaciones tendrán lugar en Boston con la orquesta sinfónica de la que Nelsons es ahora titular.
Después de este disco vendrán dos más, uno con las sinfonías 5, 8 y 9 y otro con la 6 y 7. Sin duda a mi juicio, de entre lo mejor del compositor.
Aquí tenemos el primer fruto de esa colaboración con su nueva orquesta la sinfónica de Boston, después del disco dedicado a la segunda sinfonía de Sibeluis, grabado para el sello de la propia orquesta. Andris Nelsons tiene una clara afinidad por Shostakovich y proporciona una interpretación muy bien articulada, lacerante, de caracterización fuerte y sin perder detalle, creando unos climax orquestales que acentúa un arco dramático implacable en el que ruge un metal que muerde. El director se empeña en desmenuzar los detalles de las texturas y en colorear las lineas musicales, como si quisirea que no perdieramos detalle. Lo que agradecemos enormemente.
La grabación —muy buena— tiene las virtudes e inconvenientes de las grabaciones del vivo, pero las prefiero.
No es una grabación más, hay que escucharla. Enorme disco.

OTELLO: ÓPERA PARA TODOS

La feliz confluencia de Shakespeare, Boito y Verdi dieron lugar a uno de los mejores espectáculos de teatro musical de todos los tiempos.
Al conocer la muerte de Jon Vickers —uno de los mejores Otellos de historia—, me puse a buscar una de sus grabaciones de este papel, y casi por azar me encontré con este disco del sello Naxos —el de precios bajos y grandes interpretaciones— y me encuentro este Otello que me llama la atención por haber sido grabado en Oviedo, con su orquesta filarmónica —que no conocía—, dirigida por su director artístico Friedrich Haider y con un elenco del que sólo conocía a su protagnista Robert Deam Smith, por su participación en las grabaciones recientes de Tanhauser, Maestros cantores y Holandés errante para Pentatone, dirigidos por Marek Janowski, con muy buenos resultados en general. y habitual del Festival de Bayreuth.
Pero sobre todo me llamaba la atención la participación del Orfeón Donostiarra y de los pequeños León de Oro, una formación coral que pude admirar en la pasada Semana de Cuenca.
Menuda sorporesa. Se trata de una grabación muy equilibrada en la que me he quedado clavado al escuchar el comienzo del primer acto y la prestación del Orfeón, absolutamente maravillosa por su claridad de ataque, empaste y homogeneidad sonora. Sin duda uno de los mejores coros del mundo.
Robert Deam, no es Vickers, pero defiende su Otello de forma muy respetable, con musicalidad y capacidad dramática muy satisfactorias. La Desdémona de soprano italiana Raffaella Angeletti es un verdadero hallazgo. Tiene una voz hermosa de spinto, y la expectaciòn que en esta ópera despierta escuhar la canción del sauce del acto IV, no me decepcionó. Toda la escena era absolutamente conmovedora.
El rumano Sebastián Catana como Yago no puede compararse con Tito Gobbi, pero es musical y aprovecha la belleza engañosa del personaje.
Como se trata de una producción española no cabe más que felicitarse, pues me ha hecho disfrutar de nuevo de la escucha de Otello

GRIGORY SOKOLOV, POSIBLEMENTE EL MEJOR PIANISTA VIVO

Pocos discos como el que reseño habían despertado en mi tanto disfrute y admiración como el que he escuchado esta tarde de un tirón, sencillamente porque no he podido levantarme hasta terminar su escucha.
"The Salzburg Recital" es un concierto de Grigory Lipmanovich Sokolov ofrecido en 2008 en la ciudad natal de Mozart, conteniendo dos sonatas de Mozart (KV 280 y KV 332), los Préludes Op.28 de Chopin y seis piezas breves como bises.
Desde el comienzo el pianista vive en su propio universo en las interpretaciones mozartianas, danzantes y transparentes, con toques de melancolía que nos presenta como premonitorias del Romanticismo y en un sonido bellísimo. En un Chopin de fortaleza armónica y claridad, Sokolov es más dado a la liquidez en el fraseo y a la exposición de sentimientos y sensaciones muy sólidas, como una angustia sombría que nos toma prisioneros. Cada uno es esculpido con precisión, tanta, que se podría objetar los tempi excesivamente lentos de algunos, que se perdona por su extraordinaria diseccion de esta música.
El pianista es un dramaturgo nato con una técnica hipersólida y una intensidad luminosa, con una enorme paleta tonal y capaz de emitir oleadas de sonido sustancioso. ¿Punto álgido del recital en el que se contiene la respiración? El arreglo de Busoni del coral 'Ich ruf zu dir, Herr Jesu Christ' de JS Bach.
Buen sonido para un concierto en vivo, como deberían ser todas las grabaciones.

"LIBRE PERO SOLITARIO" SR. BRAHMS

 

 

Toda la música de cámara de Brahms se encuentra entre mis preferidas; ninguna de sus obras de este género tiene desperdicio en este músico tan perfeccionista y escrupulso por protegerse de la sombra del gran Beethoven. ¡Cuánto le costó parir estos cuartetos! que cubren un vacio de casi treinta años del siglo XIX sin grandes obras para esta formación. Su tres cuartetos son monumentos de la música clásica, por ser respetuosos con la forma, al tiempo que exploran y sirven de puente progresivo entre la primera escuela de Viena (Mozart, Haydn y Beethoven) y la segunda (Schoenberg, Berg y Webern).

El Cuarteto Quiroga, al que oí en vivo hace unos meses en Cuenca en un concierto para mi inolvidable, está ya entre mis preferidos porque cada uno de ellos son unos músicos excelentes y porque en conjunto se superan.
No es nada fácil acercarse a estas cumbres de la música —quizás de ahí el simbolismo de la foto de portada—. Requieren de un estudio concienzudo de las partituras y una exhaustiva planificación de cada movimiento con sus distintos planos sonoros, innovaciones rítmicas y contrapuntísticas, pero sobre todo de una interpretación de un equilibrio exquisito.

Pues bien, todo ello lo he encontrado en este maravilloso disco del Cuarteto Quiroga, que, junto a la lectura del libro de Cibrán Sierra Vázquez, sobre el Cuarteto de Cuerda, me han aportado el mejor aprendizaje musical en los últimos días.
La edición del disco es modélica (del sello holandés Cobra): el diseño del cuadernillo, las notas de Helena, la chelista, la grabación, y hasta el guiño de la inclusión de una breve pieza sobre una canción tradicional alemana arreglada para cuarteto por el autor que sirve de colofón al disco, en forma de vuelta a la calma, y en el que se escucha a un sólo instrumento, cuando suenan los cuatro, que es el mejor halago que se puede hacer de un cuarteto.

EL ÚLTIMO DISCO DE JAVIER PERIANES ES OTRO MARAVILLOSO ACIERTO DE UN POETA DEL PIANO

Nos tiene acostumbrados el onubense Javier Perianes a discos excelentes, todos ellos llenos de sentido programático y cultural.
En este su disco más reciente se le ha pedido su participación en el concierto para piano, que él completa con una selección de piezas líricas a piano solo de Edward Grieg.
Dos visiones del arte del músico nórdico. Extrovertida, la del concierto de piano, con un lirismo arrebatador, propia de su romanticismo; íntima la de las piezas para piano solo, en la que capta la esencia de cada pieza y la transmite a la perfección con una interpretación cuidada y matizada, con una sencillez que estremece con el misterio de la evocación.
Este disco es en realidad un compendio de lo mejor de su música, e ideal para introducirse en la faceta más íntima de Grieg.

OTRO DISCO NECESARIO: TEMPESTA

De nuevo el sello español Glossa —todo un ejemplo de buen hacer— edita una verdadera joya discográfica en el territorio musical en los que son verdaderos especialistas: la música barroca.
Bajo el título de "Tempesta", nos presenta el primer recital en disco, de la mezzo francesa Blandine Staskiewicz que se adentra en las tormentas y calmas tan queridas por los compositores barrocos –y en especial Vivaldi y Haendel, a quien esta dedicado el disco en gran parte– que proporcionaron a sus arias operísticas esa intensidad que sigue cautivando a los oyentes.
Staskiewicz posee una voz cálida y flexible, se muestra segura en la emisión y es capaz de hacernos vibrar con su inmensa capacidad dramática, admirarnos con sus virtuosas agilidades y enternecernos en los momentos más poéticos. Y está espléndidamente acompañada por el grupo Les Ambassadeurs dirigido por Kossenko, del que recientemente adquirí su último disco sobre Telemann para alpha que es igualmente modelico. He escuchado este disco una y otra vez y para mí se ha convertido en imprescindible. Todos los detalles del disco son ejemplares: la grabación, las notas que le acompañan, el diseño de la portada e interior...
Baste ver y oir este video para comprobarlo:
https://www.youtube.com/watch?t=40&v=O4ry_mbMcZA

LA ACCADEMIA DEL PIACERE: JUAN SANCHO Y FAHMI ALQHAI EMOCIONAN CON LA MÚSICA DE JUAN HIDALGO.

No he investigado si Juan Hidalgo es antepasado mío —ya me gustaría—: sea así o no Juan Hidalgo fue el músico más notable de la corte española a lo largo del siglo XVII. Se dedicó al teatro, componiendo primero tonos humanos (una especie de arias) y canciones y, más tarde, colaborando con el dramaturgo Pedro Calderón de la Barca en la obra "Celos aun del aire matan" (1660), considerada la ópera más antigua de cuantas se conservan en España. De ahí su importancia histórica y cultural.

En 2014 se cumplió el cuarto centenario de su nacimiento, pero la efeméride no dejó ningún legado en forma de grabación discográfica—los españoles somos así—, por eso este disco, aun sin ser un monográfico, viene ahora a reparar tamaña injusticia con este disco “Cantar de amor”, en el que figuran tonos humanos del compositor madrileño. Todo ello, con el sello de Fahmi Alqhai, quien además de dirigir al grupo La Accademia del piacere y tocar la viola da gamba —excepcionalmente bien— ha arreglado las piezas. Éste ha tenido el acierto de seleccionar para este trabajo dos incomparables joyas de la producción de Hidalgo, cuales son: "La noche tenebrosa" y "Esperar, sentir, morir" cuya ejecución literalmente nos pone los vellos de punta. Pura emoción.
Mención aparte y destacada para el tenor sevillano Juan Sancho. ¡Qué voz tan bella! ¡Qué inteligentemente manejada! ¡Qué musicalidad!. ¡Qué expresión!... es un verdadero especialista de la música vocal barroca por adecuación vocal.
Este es un disco imprescindible: una lección de historia de la cultura española y de arte musical barroco. No me canso de escucharlo.
Una muestra de este "Cantar de Amor" es la maravillosa letra de este tono humano —qué forma tan bella de nombrar esta música— y cuya música es igualmente maravillosa en las manos de estos músicos.
LA NOCHE TENEBROSA (de "Celos hacen estrellas" de Juan Vélez de Guevara)
La noche tenebrosa
que en sombras se dilata
y con luces de plata
no acierta a ser hermosa,
madre de la pereza,
en el descanso olvida la tristeza.
El triste enamorado,
que, ausente de su gloria,
teme que la memoria
su fineza ha olvidado,
y, aunque en ansias tropieza,
en el descanso olvida la tristeza.
El pajarillo amante
que de un ingrato olvido
halló en ajeno nido
las señas de inconstante,
aunque a gemir empieza,
en el descanso olvida la tristeza.
La fiera que, aunque calla
silvestres regocijos,
cuando pierde los hijos
sólo bramidos halla,
rendida su fiereza,
en el descanso olvida la tristeza.

HAYDN 2032

107 sinfonías son muchas, pero 18 años es tiempo más que suficiente para que en 2032, año del tricentenario del nacimiento de Haydn, Il Giardino Armonico haya concluido su peregrinación por Europa, interpretándolas y grabándolas para el sello alpha. Hasta la fecha se han editado dos volumenes, el nº 1 está titulado como "La Pasione" sobrenombre de la sinfonía nº 49, y el Vol 2, Il filosofo", por la sinfonia nº 22.
No será la primera edición completa de las sinfonías del padre de esta forma de arquitectura musical clásica. En cualquier caso, la muestra del disco que acaba de inaugurar la colección, es más que prometedora. Complementan a las sinfonías el ballet de Gluck "Don Juan ou le festin de Pierre", contemporáneo de ellas. Una idea realmente muy oportuna e interesante, formativamente hablando.
La edición no tiene desperdicio, pues las notas se deben a un musicólogo importante, y el libro incluye unas fotos maravillosas, encargadas en cada volumen a un fotógrafo relevante, alguna de las cuales sirve para ilustrar la portada. el diseño gráfico es imponente.
Técnicamente la grabación es excelente, realizada en los míticos estudios Teldex de Berlín. La interpretación, con instrumentos de época, es soberbia, deslumbrante, contrastante... y extrae una gran cantidad de matices de esta música. Como los músicos que siguen sus instrucciones poseen una técnica segura y llevan muchos años tocando juntos el resultado no puede ser más que sobresaliente. Todos los ingredientes para que Haydn nos acompañe todos los años con las entregas de esta integral.

UN DISCO PARA SOBRECOGERSE

 

Al fin me enfrento a una música distinta a la barroca, después de tanta música de este estilo escuchada en los últimos meses. Antes del que ahora comento, del último alijo de discos recibido, tengo pendiente uno dedicado a Bocherini, dos a sinfonías de Haydn, otro de música romántica checa para violin, éste de los cuartetos de Smetana y como no dos de música barroca: un Telemann con Alexis Kosenko y el último grabado de Fahmi Alqhai, "El cantar de amor".
Al Pavel Haas Quartet le había escuchado prácticamente todo, pero fue especialmente revelador su grabación dedicada a Janacek, Profofiev y Dvorak. Pues bien, ahora han puesto toda su energía en los cuartetos de música de Smetana. Cada uno de ellos es una piedra angular de la música de cámara. Son obras personales, con un elemento autobiográfico fuerte. El primer cuarteto, "De Mi Vida", es programático: "Quería expresar musicalmente el curso de mi vida ... El Cuarteto No. 2 es de rabiosa modernidad (como diría Cibrán Sierra Vázquez "casi protoexpresionista en su estética sonora y su intensidad narrativa") y es el que más me ha impresionado, por ser menos conocido para mí. Esta música suena en manos de estos músicos excelentes de forma maravillosa: extrema, intensa, conspicua, certera... es una auténtica delicia escucharles. Un nuevo acierto del mítico sello Supraphon, con una edición excelente en cuanto a diseño y sobre todo calidad técnica de la grabación.
Una entrevista con los miembros de este cuarteto:

FELIZ CONMEMORACIÓN CON MÚSICA BARROCA. IMPRESCINDIBLE

 
Vivaldi y Fabio Biondi aparecen indisolublemente unidos desde que el violinista palermitano fundara, hace justo ahora 25 años, Europa Galante.
Para conmemorarlo este disco que es muy importante pues recoge seis bellisimos conciertos que escribiera el compositor en sus últimos momentos, de ahí el subtitulo de "los conceritos del adios". Son extremadamente virtuosísticos en la parte solista, porque si algo buscaba siempre Vivaldi con esos conciertos era impresionar a la audiencia. Biondi es una garantía cierta cuando se trata de la música barroca italiana, pero mucho más si se trata de Vivaldi. Le da pie a desplegar todo su arsenal de recursos y de afectos. Y el grupo Europa Galante suena mejor que nunca, quizá porque en ese fascinante firmamento vivaldiano es donde se siente más cómoda y segura. Un disco de esos que conviene tener siempre a mano en nuestras discotecas para recurrir a él una y otra vez, en la certeza de que jamás dejará de emocionarnos. Imprescindible.

CHET BAKER REDIVIVO

Conoci la música de Chet Baker gracias al concierto que la Asociación de Amigos de Jazz nos ofreció el pasado 31 de enero en el Museo de Albacete, con el grupo Tribute Chet Baker y Julián Román.
Ahora acabo de conocer el disco —muy reciente, pues su edición es de este mismo mes— de un disco con la misma formacion instrumental: guitarra, contrabajo y trompeta como intervinientes. Es precisamente el sonido de estos tres instrumentos lo que cautivó entonces y ahora con este disco que comento.
Desde la década de 1980, el trompetista francés Stéphane Belmondo ha sido una figura muy conocida en los clubes, de París a Nueva York, interviniendo en más de doscientas grabaciones.
Belmondo aborda esta música con un profundo respeto a la tradición y al músico al que homenajea este disco: Chet Baker, uno de los más extraordinarios trompetistas de jazz de todos los tiempos. Con Thomas Bramerie (bajo) y el gran Jesse Van Ruller (guitarra), Belmondo interpreta algunos de los grandes temas que Chet Baker interpretó en trío en los ochenta.
La fascinación de Belmondo por Baker es impagable en este disco, que además suena magnificamente bien y que recomiendo sin reserva alguna.

Un fragmento para disfrutar: https://www.youtube.com/watch?v=3DuGidwbk0Y

CUARTETO, CUARTETOS... Y UNA PRIMICIA

 
En mi último viaje a Cuenca para escuchar al Cuarteto Quiroga —del que disfrute incluso de una breve conversación con Cibrán Sierra, su 2º violín y autor de un libro imprescindicble sobre el Cuarteto de Cuerda (Alianza Música. 2014)— adquirí el último de los discos que ha grabado este conjunto, dedicado a los autores de la Segunda Escuela de Viena, es decir a Schoenberg, Webern y Berg, y editado por el sello holandés Cobra. Después de varios días de escucha escribo estas notas para recomendar su escucha. La selección es muy interesante, desde el brahmsiano cuarteto de Schoenberg, excelentemente tocado, hasta las seis bagatellas de Webern, que anuncian el serialismo, todo el programa está interpretado de forma soberbia y su escucha además de deleite es un acicate para la sensibilidad musical por lo que anuncia de revolución sonora, aunque estemos hablando de principios del siglo pasado.
Para finalizar un guiño a Bach —interpretan un coral extremecedor— porque según Webern: "en Bach lo encontramos todo", incluso "el camino a la nueva música".
Una auténtica maravilla, vaya.
Y la primicia. En mayo aparecerá un disco de este grupo dedicado a los Cuartetos de Brahms y en octubre otro con música de Joaquín Turina.
No me los pienso perder.

UNA SMRC QUE RECORDARÉ SIEMPRE

Primer concierto en Cuenca (SMRC 29 de marzo 2015) y primer acierto. Javier Perianes ha estado soberbio. El programa —nada fácil— exquisito. Y su forma de tocar trasciende las dificultades para ofrecer el estilo justo que cada pieza precisaba. Elegir lo mejor es difícil ante tanta calidad, pero me quedo con el Debussy de l'isle yoyeuse.
De nuevo he pasado envidia por lo bien que suena la sala de cámara del auditorio de Cuenca.

***

La primera parte de mi periplo por Cuenca, para mí una ciudad ungida por la suerte, al disponer de un festival de música que tiene una categoría de excelente pues atrae a una cantidad de músicos y grupos del mayor nivel. Y sobre todo a aficionados como yo se desplazan para aprovecharse de su programación en estas fechas, lo que supone para esta ciudad un revulsivo. Pero es que además dispone de unas infraestructuras para la música que cualquier ciudad de nuestra comunidad soñaría tener.
Hoy he escuchado (30 de marzo 2015) en la iglesia de la Merced, ahora biblioteca de la Universidad, un concierto de The Tallis Scholars, dirigidos por Peter Philips, y que puso el cartel de aforo completo, posiblemente por ser el mejor conjunto de la actualidad en el repertorio de la polifonía europea de los siglos XVI y XVII. Sólo cuando abren la boca te das cuenta de que su perfección se encuentra en la homogeneidad y el empaste vocal —a base de trabajo— de todos ellos, y en una dirección que hizo que lo de ayer se nos presentara como una experiencia única. Nunca había escuchado en directo este repertorio con la calidad sobrecogedora de estos cantantes.

Un par de horas después en la Iglesia de San Miguel, convertida ahora en una de las mejores salas de concierto del país por su acústica, una nueva experiencia única. Todas las suites para cello solo de JSBACH, tocadas por Jean-Guihen Queyras. Es necesario escucharlas todas para apreciar este trabajo tan soberbio del maestro alemán. Y para determinar que las tercera y la sexta suites son posiblemente las mejores. Como el intérprete las tocó en último lugar dejó al oyente, después de dos horas de concierto absolutamente entregado, aun tratándose de formas de interpretar modernas, no históricamente informadas.
Vamos que la palabra que más repetí ayer por la tarde fue la de bravo. 

***

Viaje relámpago a Cuenca esta mañana, 3 de abril de 2015 —ida y vuelta— para asistir a un concierto que me ha dejado una huella imborrable. Mi interés era el Cuarteto Quiroga que junto al Casals es uno de los mejores de nuestro país y al que conocía sólo por un disco. El programa era un auténtico acierto al incluir el cuarteto de Schubert "La muerte y la doncella", obra cumbre de la música de cámara de todos los tiempos, y “Black Angels" de compositor americano —aun vivo— George Crumb, una obra de rara y difícil escucha —por lo complejo de su interpretación—, que cita en sus notas al cuarteto de Schubert. De ahí la relación entre ambas, aunque entre ellas exista un arco temporal de un siglo y medio en la fecha de su creación.
La interpretación del cuarteto de Schubert me ha parecido exquisita, distinta, fresca y arriesgada al extremar las dinámicas para conseguir una suerte de dramatismo que la obra necesita, por ello actualizándola, aunque pueda parecer ajena menos romántica y mas expresionista, diría. La obra de Crumb ha sido todo un hallazgo. Es increíble, no se puede sacar más música —y ruido, a veces— de cuatro intérpretes. Instrumentos de percusión y técnicas de tocar, que en la música de hoy son habituales pero que cuando ésta fue creada, 1970 —fue escrita bajo influencia de la guerra del Vietnam—, eran un hallazgo. La interpretación del Quiroga deja literalmente estupefactos.
En fin no es extraño que algunas personas de Albacete se molesten en viajar a la ciudad vecina a disfrutar de estos "acontecimientos musicales", son inimaginables por estos lares... y por otros si nos atenemos al numeroso público foráneo presente esta mañana en el Auditorio de Cuenca. Y proclamo otra vez, una maravilla de acústica de este edificio.

CONFIRMADO: UN DÚO EXCELENTE

La pasada semana hice una entrada en este medio sobre las lecturas del joven violinista Kristoff Barati y la pianista Klara Wurt, ambos húngaros, de las sonatas de violín y piano de Brahms para el sello Brilliant, Cuando un músico me interesa, intento profundizar en su trayectoria y puestos a ello me descargue de iTunes las sonatas completas de Beethoven por estos mismo intérpretes. Lo he disfrutado y lo sigo disfrutando estos días y suscribo lo que dije, compenetración total entre ambos músicos, perfecta adecuación tímbrica entre ambos instrumentos, cuidado en las dinámicas y traslación exacta del estilo del compositor alemán.
Los cuatro discos que contienen estas obras solo cuestan ocho euros, por lo que estamos ante otra ganga.

UN DISCO CON UNA MÚSICA APABULLANTE

 

BRAHMS: Sonatas para violín y piano. Kristof Baráti, violín; Klára Würtz, piano.
Brilliant. 2014.
Ejemplar interpretación la que se plasma en este disco, con una fiel y natural toma de sonido, equilibrada y transparente; cualidades ambas que se consiguen también al captar los intérpretes el mensaje brahmsiano en toda su dimensión. Se diría que Baráti y Würtz están en ideal conjunción y nada dejan que desear sus versiones, con voces nítidas ambos instrumentos, perfectas afinación e intención, maravillosos los repliegues de sonido que tan frecuentemente exige el compositor de Hamburgo, y adecuación total entre sí y a las obras. El resultado, en cuanto a belleza sonora es, pues, apabullante.
Además el disco es muy económico lo que lo convierte en una auténtica ganga.

UN DISCO CURIOSO Y FASCINANTE

Dieter Ilg es uno de las bajistas más conocidos del jazz Alemán.
Le sigo la pista desde al encontrar un disco suyo que llevaba por nombre Parsifal, que es el nombre de la última ópera de Richard Wagner, y que comenté en este espacio de fb. Me pareció su trabajo tan interesante que busqué otro disco dedicado a Otello, otro de los operones de Verdi.
De siempre me han interesado las músicas de jazz que toman como referencia la música de compositores clásicos —que es lo que más he oido en todos mis años de melonamía—. Diría que llegué a disfrutar de la música de jazz a través de estos experimentos. Prometo un articulo en breve escribir en mi blog una aproximación sobre las conexiones de la música clásica y el jazz.

Nada más comenzar el año 2015, Dieter Ilg ha publicado un disco que lleva por título Mein (Mi) Beethoven y he quedado fascinado. Están los grandes temas del compositor alemán que se han adaptado a la banda de jazz clásica (piano, bajo y bateria) y lógicemente no son otra cosa que una excusa para improvisar sobre ellos, como hacen excelentemente estos músicos que poseen una técnica soberbia.
Os dejo un enlace para que descarguéis el corte 2 que es el tema de la Oda a la alegria del cuarto movimiento de su Novena Sinfonía —el celebérrimo himno europeo— para que disfrutéis.