REFULGENCIA NUEVA PARA LA CALLAS

Siento verdadera delectación por la voz de Maria Callas. No es para menos, pues fue con ella por la que me introduje en el mundo de la ópera, mucho después de mi adquirir mi melomanía. No acababa yo de entrar en el mundo de la ópera, hasta que un amigo, Carlos San Juan, me propuso escuchar Tosca con ella como protagonista y dirigida por Victor de Sabata y de ahí a escucharlo todo en lo que ella interviniera.
En mi modesto juicio es la mejor voz de soprano de todos los tiempos, sin ser la voz más bella. Todo por ser una verdadera cantactriz, con una capacidad escénica insuperables. No quita para reconocer que últimamente han aparecido cantantes de mucho interés vocal y escénico que mantienen nuestro interés por el género.
Pues bien se acaban de reeditar todas las grabaciones de las óperas en las que intervino Callas. El motivo: un nuevo reprocesado para extraer mayor calidad a sus grabaciones de la mano de al compañía Warner, después de comprar la británica EMI, quien ya lo editara varias veces.
El resultado es apreciable y en audio de Alta Resolucion (24 bits), aún más.
Como esto, para mí ya debe ser un bien común, ofrezco a mis amigos del facebook un disco recopilatorio de esta reedición con estas instrucciones de uso:
1. Si no has escuchado nunca a la Callas y ni siquiera te gusta la ópera, comienza por el corte 3 con el aria de Andrea Chernier "La mamma morta". Conocerás algo por lo que muchas personas de este mundo se han apasionado. Quizás lo comprendas, aunque no te guste.
2. Si eres aficionado a la música clásica, pero no a la ópera, la secuencia debe aumentarse a los cortes 4, 5 y 6.
3. Si ya eres conocedor de esta maravillosa voz, escucha el disco entero y observarás nuevos detalles de su voz que la técnica nos sirve ahora con mejor calidad. Las ciencias avanzan que es una barbaridad.

https://dl.dropboxusercontent.com/…/Callas%20-%20sings%20Op…

HABEMUS CUARTETO

De cuando en cuando me sumerjo en la música de cámara más perfecta que existe. La que suena de un cuarteto de cuerda (2 violines, viola y cello). Llevo días escuchadno los discos de Mozart y Haydn grabados por el Cuarteto Casals, uno de los mejores de nuestro país, al que me dedicaré en otro momento. Pero he aquí que entre escucha y escucha camerística, conozco y adquiero el libro "El cuarteto de cuerda", editado por Alianza Música, cuyo autor es Cibrán Sierra, segundo violin del Cuarteto Quiroga. De la bondad de este cuarteto había leído algo, pero es a partir del comienzo de la lectura del libro citado que me lleva a escuchar a este Cuarteto, concretamente de su disco, “Statements”. Tanto el programa como las interpretaciones me han parecido extraordinarias, sobre todo una obra moderna del joven compositor y cellista italiano Giovanni Soliman: Sonnets y Rondeaux. Obra rabiosamente moderna y ecléctica estilisticamente, aunque de fácil escucha, tanto que recomiendo para atraer al público más joven. Todo en este disco es exquisito: interpretaciones frescas, precisas y perfectamente equilibradas, trazadas con tonos consistentemente cálidos.

Investigo un poco y estos chicos tienen grabado un pequeño video con una de las obras del citado Soliman, que recomiendo que vean y escuchen. La factura del corto apabulla por calidad técnica, belleza y frescura.

https://www.youtube.com/watch?v=XhPQ6GPa6Ns

¡VAYA VOZ!

La estadounidense Joyce DiDonato (mezzo-soprano) y la Orchestre et Choeur de l’Opéra-National de Lyon dirigida por Riccardo Minasi nos ofrecen un hermoso disco, como siempre muy cuidado desde la portada a la selección musical de una colección de piezas generalmente olvidadas del bel canto, no sólo de los habituales (Rossini, Bellini y Donizetti) sino también por otros compositores menos conocidos (u olvidados) como Saverio Mercadante, Michele Carafa, Giovanni Pacini y Carlo Valentini. Técnicamente, no hay problema para la voz de DiDonato con este material y, aunque su voz ya no tiene esa frescura juvenil de antes, sus características de control técnico, fluidez de fraseo, textura cremosa y convincente y potente caracterización del personaje interpretado siguen aquí. 

Probablemente una de las mejores voces de la actualidad, con una presencia escénica imponente y seductora. Joyce pisa cada día más fuerte en la escena operística actual, siendo un prodigio de naturalidad y sencillez. Un disco im-pres-cin-di-ble.

Dejo un enlace para disfrutar de esta voz.

https://www.youtube.com/watch?v=7IY_FiBBxTE

BEETHOVEN ES IMPRESCINDIBLE

De la mano de la revista amiga Scherzo he conocido la existencia de este disco de dos músicos que conozco muy bien y cuya trayectoria sigo con interés, el frances: Jean Guihen Queyras, al cello y el pianista ruso Alezander Melnikov. Inmediatamente lo he descargado legalmente de la red y llevo disfrutando el fin de semana de esta música que se me ha antojado tan otoñal, por recogida y trascendente. Se trata de las obras completas para cello y piano del músico alemán, creador de esta combinación instrumental y que se incluye en dos CD.

Esta grabación logra un raro equilibrio entre la transparencia de Melkinov, casi milagrosa, con la pureza sonido de Queyras, Voy a estar saboreando estas interpretaciones de estos músicos tan refinados por mucho tiempo.

La calidad técnica de la grabación, obtenida en el milagroso estudio berlinés Teldex, en diciembre de 2013, es excepcional y colabora a que su escucha se considere de imprescindible.

Nueva diana discográfica de La Reverencia con Rameau

 
Pueden tener claro que de no ser por la importancia de la edición que acaba de ver la luz no escribiría estas notas. Llevo varios días barruntando sobre una música que no paro de escuchar desde que cayó en mis manos el nuevo disco de La Reverencia. He de decir que juego con cierta ventaja pues, de manera prevía a esta grabación, pude conocer de primera mano estas obras interpretadas por La Reverencia que ahora me incitan a escribir estas notas, y cuya grabación ahora celebramos. Escuché un pase "privado" en la Casa de la Cultura "José Saramago" hace unos meses, de estas mismas obras, antes de que el grupo diera unos conciertos en diversos festivales especializados como el Festival Pórtico do Paraíso (Orense) y el Festival Internacional de Santander.

El grupo La Reverencia, que dirige el albaceteño Andrés Alberto Gomez Flores, ha dado de nuevo en la diana, y de forma oportuna. En este año que está a punto acabar se ha conmemorado en el mudo musical el 250 aniversario de la muerte del compositor francés Rameau (1683-1764), que generalmente es considerado como el músico francés más importante anterior al siglo XIX y como el primer teórico de armonía clásica: sus tratados, a pesar de algunas imperfecciones, fueron hasta principios del siglo XX obras de referencia. Rameau es, junto con Couperin, uno de los dos grandes maestros de la escuela francesa del clavecín en el siglo XVIII.

Publicadas en 1741, las Piezas de clave en concierto constituyen la única obra auténticamente camerística de Rameau. Se trata de una prolongación natural de su música para clave, que se aleja del modelo de la sonata en trío corelliana. Rameau acompaña el clave de dos instrumentos melódicos (un violín o una flauta y una viola da gamba o un segundo violín), pero no, como en la sonata, para tramar un diálogo contrapuntístico en el que el teclado serviría como simple soporte armónico. En Rameau, la esencia de la escritura está toda en el clave, mientras que los dos instrumentos melódicos ejercen exclusivamente como amplificadores que sirven para enriquecer la paleta de colores de las piezas; en realidad, la parte clavecinística es en sí misma tan densa que las obras podrían ser interpretadas exclusivamente con el instrumento de tecla. Las piezas de clavecín en concierto son el antecedente del trío clásico, y se han convertido en una referencia de la música de cámara barroca. Son maravillosas y de escucha obligada.

Andrés Alberto Gómez ha declarado que conoce estas obras desde que tenía 14 años. No me extraña, además de ser de una accesible belleza, por lo escuchado no sólo las conoce sino que las admira y eso se nota en el enfoque que da a estas obras. La interpretación de La Reverencia es fabulosa, por sólida, bien tocada —es una obra muy difícil— y por conseguir en cada momento el grado de sonoridad que merece cada una de las partes que integran estas piezas. Existen momentos en donde la música sobrecoge, libera, transporta...

Poco a poco, con artística humildad, aportan a la cultura musical el conocimiento de partituras pretéritas o bien consiguen interpretar con nueva mirada algunas de las que forman parte del repertorio barroco. Cada cosa que tocan la bordan. Ánimo a los músicos a continuar por este camino y desde hoy ya estamos esperando más propuestas como estas.

WEST SIDE STORY DE REFERENCIA

Acaba de aparecer esta brillante esta edición discográfica procedente de la grabación realizada en directo desde el Davies Symphony Hall de San Francisco (2013), de West Side Story con la interpretación de Orquesta Sinfónica de San Francisco, y cantantes de musical, como la pareja de Cheyenne Jackson y Alexandra Silber  dirigidos por Michael Tilson Thomas. La produce la propia orquesta.

Originalmente pensada como musical, el propio compositor —Leonard Bernstein—, quiso probar cómo funcionaría como ópera, usando para ello a Kiri Te Kanawa y a José Carreas, trabajo que fue cuestionado por algunos sectores, pero que sin duda aumentó su reconocimiento. En esta ocasión se ha preferido usar un elenco de cantantes pop o de musical y el resultado no puede ser más creíble teatralmente. Una buena función West Side Story debe garantizar el más saludable de los lagrimones como sus ilustres hermanas mayores Madama Butterfly y La Traviata. Todas hitos del teatro musical cantado de la música occidental. Hay en WSS todo eso, lágrimas y danzas, danzas tan contagiosas que es fácil imaginar bailando en el podio a los cantantes y al director como hizo Leonard Bernstein en su grabación de estudio, arrebatado por el ritmo de una música al que es difícil substraerse.

Aparte de la versión original de Broadway de 1957, con Max Groberman, y la película de 1961, el mismo Bernstein como he dicho la llevo al disco en 1984 con divos de ópera. Ahora Michael Tilson Thomas, titular de la O. S. de San Francisco brinda una lectura de referencia pues consigue revitalizar la partitura y verterla inmaculadamente como su principal objetivo. No es la primera vez que lo hace y es imposible no mencionar su extraordinario musical de Bernstein On the Town, otra partitura que sufrió injustamente en manos del cine y que revivió en Londres con un elenco de gigantes de la ópera como Hampson, von Stade, Daly y Hadley.


Otra buena idea de esta grabación: reducir los diálogos al mínimo, respetuosa e impecablemente vertidos.

Michal Tilson Thomas dirige a una magnífica Orquesta de San Francisco que suena clara y gloriosa, con mención especial a la percusión y metales que se sacan chispas en el mambo. Comodísimo en este repertorio, diriase poseído por esta música que lleva en el alma, MTT rescata el renglón mas romántico con la elegancia apasionada del mejor Puccini así como del más puro jazz urbano, la rescata como joyita americana para recordar su lugar en el mapa del repertorio internacional.

La grabación es maravillosa. No deben perdersela.

UN DON CARLO DEL MÁXIMO NIVEL

En mi último viaje a Madrid, pude adquirir la edición en Blue Ray de esta importante ópera de Verdi que tanto aprecio: Don Carlo. El reclamo era un elenco de artistas de primerísimo nivel que me creó grandes expectativas. El resultado: más que excelente.

La producción procede del último Festival de Salzburgo de 2013 en la que eligieron la versión cantada en italiano, con 5 actos.

La puesta en escena corre a cargo de Peter Stein, director de teatro y ópera alemán. De su trabajo me gustaría decir que ha respetado el libreto y la composición musical con una puesta en escena moderna, un montaje sobrio, sin excesivos alardes ni sobrecarga de elementos, dejando protagonismo a la acción y el trabajo actoral de los cantantes. Al contrario que lo que viene pasando con cada vez más asiduidad, demuestra que se puede ser ‘moderno’ sin necesidad de desvirtuar la ópera, lo cual ya es decir mucho.
En cuanto al reparto de cantantes, Anja Harteros está sublime, demostrando que es una de las mejores cantantes verdianas de la actualidad. Rica en matices, en el dominio de pianos y fortes, plena de sensibilidad.
A su altura, un tremendo Jonas Kaufmann, cada vez mejor cantante y con una presencia escénica arrolladora. El papel de Don Carlo no es sencillo, pero parece hecho a la medida del tenor alemán, especialmente brillante en los momentos que comparte con Harteros. Menuda pareja.
El resto del reparto, a otro nivel, es muy bueno, como el coro de la ópera de Viena; y de la Filarmónica de Viena decir que es casi imposible tocar mejor.
La calidad de imagen y sonido altísima.
En fin de lo mejor que he visto y oído en mucho tiempo.

Me gusta escuchar MÚSICA DE MI TIEMPO, de composiores vivos.

Desde hace tiempo presto atención a un compositor letón Pēteris Vasks (nacido en 1946).

El estilo inicial de Vasks debe mucho a los experimentos en música aleatoria de Witold Lutoslawski, Krzysztof Penderecki y George Crumb, aunque en su última sus obras son por lo general muy claras y comunicativas, y con un sólido sentido de la armonía. Pasajes líricos pueden ser seguidos por disonancias agitadas, o interrumpidos por secciones sombrías. Ha hecho un amplio uso de técnicas minimalistas, pero nunca se ha convertido en esclavo de ningún método en particular.

Vasks se siente fuertemente influenciado por las cuestiones medioambientales, hecho que se percibe en sus obras, como el Cuarteto de Cuerdas Nº 2 (1984) que aparece en este disco.

Merece especial atención el joven cuarteto Navarra que es el intérprete en este disco de los tres primeros cuartetos de cuerda de Vasks para Challenge Records, grabados en estrecha colaboración con el propio compositor. La grabación es impresionante, sensacional y convincente.

Ofrezco un fragmento de uno de los cuartetos en este vídeo.

http://www.youtube.com/watch?v=4P5gEQ2GiD0

LA KOPATCHINSKAJA REGRESA CON DOS CLÁSICOS DEL SIGLO XX

Después de que su disco con composiciones para violín y orquesta de Bela Bartók, György Ligeti y Peter Eötvös consiguiera uno de los Premios Gramophone de este año. Se edita éste para el sello Naive con los dos conciertos para violín de Stravinsky y Prokofiev, conciertos que tienen más similitudes de lo que a simple vista parece. En primer lugar los dos creadores andaban en conflicto con su tierra natal: Rusia -uno eligió el camino de vuelta, el otro su asentamiento permanentemente en el exilio- y ambos pertenecen a estética de "regreso al orden" observado en los años 1920 y marcada por reapropiación de los modelos del pasado. Si Prokofiev conserva los fundamentos tradicionales del concierto, pero buscando un nuevo lirismo, Stravinsky ha probado modelos
de nueva expresividad voluntariamente neutral y distanciada.
Jurowski es un director extraordinario y dirige a la London Philarmonic con guante de seda. La violinista, con aun mayor excelencia está especialmente feliz en Prokofiev, que sigue siendo uno de mis conciertos para violín preferidos. Disco para no perderselo.
En el video se puede ver tocar a esta violinista moldava.
http://www.youtube.com/watch?v=1jmWQ_bBltQ

SE EDITA LA VERSION EN CD DEL CONCIERTO DEL PASADO AÑO NUEVO EN VIENA. LA MEJOR DE LOS ÚLTIMOS AÑOS.

Es casi un rito, unos días después de la retransmisión de este concierto se publica la versión CD y luego en DVD de este evento.

Si pudiéramos afirmar que existe la música positiva. Esta es su máxima expresión y he de reconocer que esta música que necesito en esta mañana de sábado, después de una intensa semana. Y ello me obliga a compartirlo en este medio: esta música alegra.

Pero además es que se trata de uno de los mejores conciertos de Año Nuevo que uno recuerda y, desde luego, el mejor de los últimos diez años, gracias al director invitado, Daniel Barenboim, en estado de gracia, con la plena complicidad de los filarmónicos vieneses.

Barenboim, además de ser unos de los músicos más importantes de la actualidad en su doble faceta de pianista y director de orquesta es un activista en el terreno de la paz y en la búsqueda de puentes para superar el conflicto palestino-israelí, y creador de una orquesta de jóvenes en la que sus integrantes son israelíes y palestinos.

DE MIS INSTRUMENTOS PREDILECTOS UNO ES EL VIOLIN Y OTRO LA VOZ

Me considero un auténtico caza-conciertos de violín. Cualquier nuevo concierto que se graba me incita a conocerlo y, si puedo, a coleccionarlo. Mis últimas adquisiciones son los conciertos de Casella, Malipiero, Corigliano —que ya conocía— y el que provoca este comnetario, el del jovencísimo violinista y compositor fines Pekka Kuusisto.
Siento por Finlandia una especial atracción por conocer una de sus ciudades, Tampere, y por su avanzado modelo social. A su ejemplar sistema educativo habría que añadir el cultural. Con bastante menos población que Cataluña, 5,4 millones de hab. posee prácticamente orquestas en cada una de sus ciudades importantes. Orquestas de calidad y una red de auditorios —yo estuve en el de la ciudad citada— que estimulan a compositores e intérpretes.
Pues bien, uno de los últimos discos aduiridos es un ejemplo de lo que digo: el compositor y violinista Pekka Kuusisto y la violinista Elina Vahala, han grabado el concierto para violín del primero con una de las mejores orquestas finesas. Ambos son jóvenes, tienen 35 años y mucho talento. Es un concierto de hoy, rabiosamente contemporáneo, no experimental, pero asequible a todos los oídos y sobre todo muy bien tocado. Elina Vahala y Pekak Kuusista —ambos violinistas— ingresan en la nómina de jóvenes intérpretes de uno de los instrumentos más conmovedores que existen.
Completa el disco una obra del compositor vivo John Corigliano, su concierto para violin "The red violin" que está basado en su música para la película homónima que ganó un Óscar a la mejor banda sonora. Es bellísimo. Adecuado complemento a un disco que he disfrutado mucho, mucho.

NO PARO DE SORPRENDERME CON LOS MÚSICOS

Piensas que has oído mucha música ya en tu vida; sobre todo interpretaciones de algunas obras que por ser tus favoritas, las has escuchado tanto que te las conoces hasta el punto de parecer que las hubieras tocado tú toda la vida; y acudes a un concierto en el que te defrauda la interpretación de unas de tus sonatas preferidas, buscas una grabación discográfica para resarcirte y, sin mucha fe, te sale al pasdo una grabación de una pareja de hermanos jovencísimos los Khachatryan —Sergey y Luise— y zas, una bofetada en la cara. ¿Por qué? Porque ofrecen unas versiones de la Sonata para violín y piano de Franck y las de las tres de Brahms de una profundidad (por intensidad emocional) y altura (por calidad de sonido) fuera de lo normal y menos en intérpretes de tan poca experiencia —¡jóvenes!, con perdón— y eso es lo que me ha dejado tan perplejo.

ENORME GRABACIÓN DE LANG LANG CON LOS CONCIERTOS 3º DE PROKOFIEV Y 2º DE BARTOK.

Acabo de recibir el Blue Ray de la grabación de estos dos conciertos donde curiosamente sólo se ha filmado el primeros de ellos en su grabación —el de Prokofiev— y no en concierto público sino en la sala habitual de la Filarmónica de Berlín. 

De las interpretaciones que conocía de esas obras no recuerdo ni una sola que me guste más que éstas, en la que ayuda la gran calidad de sonido del registro.

En la publicación que ahora lanza Sony uno se queda literalmente pasmado de la absoluta facilidad con que Lang toca intrincadísimos pasajes de ambos conciertos: su técnica o su mecanismo son realmente insultantes. 

Las interpretaciones de este disco no son sólo las de dos dotadísimos profesionales de la música junto a una de las mejores orquestas del mundo y una de las más adaptables a cualquier estilo y autor. No hay el menor exhibicionismo gratuito, ni virtuosismo vacío... Todo es, de principio a fin, extraordinario.